前些时候，有朋友来易花道马连道教室喝茶，闲谈之余，聊起了在中国插花中形式与自由表达的关系：朋友认为学习中国插花始于学习一些固定的形式，感觉约束了创作的自由，似失去了插花的乐趣。
这段时间闲暇时光不多，但只要闲下来，我就会想这个事儿：做了几年中国插花老师，闷头专注于教学，关注点一直放在如何表现出优美的画面、如何将理论与形式讲解的清晰明白上。确实少有回到原点，去思考诸如“形式与自由”的关系，暮然回首，感触良多，无奈见解粗浅，但还是想和大家分享一二。
我在分享插花的时候，有些同学特别希望了解形式的规则，希望借助形式的规则来完成一个标准审美意义上的完美作品。有些同学则特别抗拒形式，感觉形式是表达自我的羁绊，她们本身有对美有理解，渴望作品是对美随心所欲地表现。
表面上这是一个学习方式的问题，但究其根本这就是一个技与道的问题。
先说学习方式层面的问题：
我们之所以要学习一项技艺，是因为前人对这项技艺有过经验，否则就是创造，而不是学习了。既然我们是站在前人的肩膀上去展望未来，那就要尊重这个肩膀，尊重前人的经验。回想自己在学习插花过程中的弯路，无外乎都是过早地尝试放弃规则，尝试创新。就像在学画画的时候，几何石膏还没画明白，就去写生人像，最后画出一堆半人半鬼的头像出来，痛定思痛，还是得乖乖回去练造型能力。当然，学习不是不能够创新，而是契而不舍之中，水到渠成之时，自然而然地提高和改变。
讲真，中国古人对中国插花并没有实际意义上的技法总结。这使插花跟国画不一样，没有《芥子园画谱》一类的有实际指导意义的古典教科书。但没有教科书不等于没有规则可以追寻，只是这种规则需要后人动脑子在古画、古籍、文物，甚至园林、盆景、诗歌等等艺术形式中去感受、去提炼、去总结而已。
当然这种总结带有强烈的个人审美观念，所以我们跟谁学习，首先意味着得认可这位老师的审美观念。说句大白话：这位老师的作品，你看着美不美？作品是一个老师最直观的审美表达。插不出打动人的作品，对前人的插花文化做再多总结，也只能称为：中国插花理论研究者。能理论联系实际，做出美的作品，这种总结和传承才有意义，学习他总结出来的普遍性规律，就能向着你认可的美更近一步，道理如此简单而已。
当然，每个人都可以是某种审美观念的总结者。
就像一个国画爱好者，拿起毛笔，挥毫泼墨，享受创作作品的美好情绪，这非常不错，毕竟这是自我意识的表现，一定是愉悦和满足的。但这么创作出来的画作，不一定每位观众都能从中感受到愉悦和共鸣，否则人人都是国画大师了。真正的大师一定是经过漫长的基本功训练的，如王羲之的《兰亭序》，如果没有扎实的书法基本功，酒醉的状态写一篇儿文，万古流芳别指望了，恐怕看都没有人能看懂。这件事儿东西方都一样，某东方人动不动就染黑一池塘水，某西方人在一堆鸡蛋里玩找不同。
王羲之《兰亭序》
求知的欲望、对美的追求，让我们希望有前辈能给予一些指导，以便于去了解更多的规律，内化成自身的厚度，然后再去创作。放在中国插花的学习中，一开始确实注意点都在记住形式、表现形式上，为什么？因为没记住，没有内化嘛。插花基本功扎实之后的创作状态，是心中有壮阔山河的画面，手中就能表现出“长河落日圆”；心中有弱柳扶风的画面，手中就能表现出“杨柳岸晓风残月”，放松且自在，以花枝为笔，抒胸中逸气，且还能用这副画面感染到观众。这就是我们学习中国插花追求的境界，当然，我也还在追求的路上。
如果将这个问题，上升到“技与道”的层面怎么理解呢？
“技”很好理解，就是“形式”，是“方法”。
那什么是“道”呢？广义上来说，道是指宇宙万物内在的普遍自然规律，和老庄所说的哲理性的自然之道相近。狭义上来说，就是作品传达的内容和意义。
在不同的艺术门类中，技与道的表现形式是不同的：在文学作品中，文字是“技”，作品的文学主题是“道”；在绘画中，色彩线条是“技”，作品表达的情感是“道”；在中国插花艺术中，作品的表现形式是“技”，作品表达的意境、文化内涵、人文精神是“道”。脱离形式去表达“道”，也许会有成功表达的几率，但更多几率会沦为孤芳自赏的境地而不自知。
任何一项和艺术相关的活动，都离不开“技与道”的探讨，并不仅仅限于中国传统文化的范畴。许多学者基于“道是本、技是末”、“道”高于“技”的判断，将“技”与“道”对立起来，觉得学习“技”是对“道”的诋毁，这不得不说有点儿偏颇了。道来自于技，技升华至道，习“技”就是在体“道”，艺术训练过程和体道过程是一致的。
不管怎样，多一些严肃的思考是有意义的，毕竟，用专业的态度做闲事的愉悦和美好，只有做了才知道。